Van Gogh Museum

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Van Gogh Museum video's
http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/index.jsp?page=139012〈=nl

《有烏鴉的麥田》Van gogh

藝術家 文生·梵谷
年份 1890年
類型 布面油畫
尺寸 50.5 (公分) cm × 103.0 (公分) cm
現藏於 梵谷博物館, 阿姆斯特丹

取自http://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E6%9C%89%E7%83%8F%E9%B4%89%E7%9A%84%E9%BA%A5%E7%94%B0

《有烏鴉的麥田》是荷蘭後印象派畫家文生·梵谷創作於1890年7月的一幅油畫[1]。通常的解釋是，這幅畫是以黑暗，嚴酷的天空顯示了梵谷的精神狀態的困擾，與徘徊不決的通往不同方向的三種途徑，與黑色烏鴉架空的預示死亡跡象。

畫家寫道，他曾在三幅畫裡畫過瓦茲河畔歐韋大片的麥田與多事之秋的天空。

很常見的錯誤認為，這是梵谷的最後一幅畫，甚至說，他在繪製該畫時飲彈自殺。其原因是在《情慾終身》這部影片中是這麼描寫的。不過，目前還沒有證據可以支持這個觀點，胡爾斯克博士的梵谷年表中，有七幅畫晚於該畫。當然，梵谷的確是自殺，是在畫這幅畫的同一個月裡。人們普遍認為，他1890年7月27日的晚上去田野散步，用左輪手槍朝自己開槍後回家。他在躺在床上兩天後死去，當時他的弟弟西奧在他的身邊。

現藏於阿姆斯特丹的梵谷博物館。
連結
http://www.vggallery.com/painting/by_period/auvers.htm
http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/index.jsp?lang=nl

《星夜》

藝術家 文森·梵谷
年份 1889年
類型 布面油畫
尺寸 73 cm × 92 cm (28¾ in × 36¼ in)
現藏於 現代藝術博物館, 紐約市

《星夜》（荷語：De sterrennacht）是荷蘭後印象派畫家文森·梵谷於1889年在聖雷米的一家精神病院里創作的一幅著名油畫，被廣泛認為是他的代表作之一。該畫現藏於紐約現代藝術博物館。

創作背景

1889年，在與高更一次爭吵之後，梵谷精神分裂症複發而割下了自己的左耳，並用手帕包起後送與一名妓女。之後於5月8日自願前往阿爾勒聖雷米的一家精神病院治療，在那駐留了108天。在入住精神病院期間，梵谷創作了大量的繪畫作品，共計一百五十多幅油畫和一百多幅素描。在此階段的繪畫，梵谷的畫風開始趨向於表現主義，作品充滿憂鬱精神和悲劇性幻覺，其中作品《星夜》正是其中代表之一。[1]而作品《星夜》是在醫生允許梵谷白天可以外出的條件下所創作，而其作品的所描述的風景也正是精神病院所在地聖雷米。

作品含義

作為表現性的後印象主義畫家梵谷的作品，這幅畫有很強的筆觸。油畫中的主色調藍色代表不開心、陰沉的感覺。很粗的筆觸代表憂愁。畫中景象是一個望出窗外的景象。畫中的樹是柏樹，但畫得像黑色火舌一般，直上雲端，令人有不安之感。天空的紋理像渦狀星系，並伴隨眾多星點，而月亮則是以昏黃的月蝕形式出現。整幅畫中，底部的村落是以平直、粗短的線條繪畫，表現出一種寧靜；但與上部粗獷彎曲的線條卻產生強烈的對比，在這種高度誇張變形和強烈視覺對比中體現出了畫家躁動不安的情感和迷幻的意象世界。[1]梵谷生前非常欣賞日本浮世繪《冨嶽三十六景》中的《神奈川沖浪裏》，而《星夜》中天空的渦狀星雲畫風被認為參考並融入了《神奈川沖浪裏》的元素。

在現代的一項科學研究中，科學人員發現梵谷的後期作品，包括《星夜》在內，包含有一種物理上稱為「湍流」的神韻，並推測此神韻來源於梵谷由於長期處於癲狂狀態中而得到超於常人的感悟能力和繪畫表述能力。[3]而在2004年3月4日，美國宇航局和歐洲太空局公布了一張哈伯太空望遠鏡拍攝的太空照片，並稱「這幅太空攝影作品與梵谷的名作《星夜》有『異常相似』之處。」其中，哈伯太空望遠鏡所拍照片為一顆名為「V838 Mon」的恆星周圍的景象。該恆星位於麒麟星座方向，距離地球2萬光年。

Power of Art - Van Gogh (4/6)

Power of Art - Van Gogh (5/6)

Power of Art - Van Gogh (3/6)

Power of Art - Van Gogh (2/6)

Power of Art - Van Gogh (1/6)

Power of Art - Van Gogh (6/6)

In the footsteps of Vincent Van Gogh - part 5

In the footsteps of Vincent Van Gogh - part 4

In the footsteps of Vincent Van Gogh - part 3

In the footsteps of Vincent Van Gogh - part 2

In the footsteps of Vincent Van Gogh - part 1

Vincent van Gogh - lifetime(Eng)

Van Gogh-self portraits

Star by Ozie C. Cargile II

齊豫 - 文生梵谷 - 繁星夜 - Starry Starry Night

梵谷的一生

史博館｜燃燒的靈魂－梵谷特展 12.11-3.28.2010

「燃燒的靈魂．梵谷」特展

只知道向日葵，不能算認識梵谷（Vincent van Gogh）！

百件梵谷真跡首度來台，「燃燒的靈魂．梵谷」特展，讓你看見梵谷，更讓你被梵谷燃燒的靈魂，深‧深‧感‧動。

藝術史上少有其他畫家像梵谷，幾乎無人不知；但梵谷的寂寞也幾乎無人能懂──他畫出內心的騷動，像宇宙星雲一樣天旋地轉，那麼強烈的電波，卻像地球人不能解的外星密碼。

1890年7 月29日，梵谷用一把左輪手槍自殺，結束37歲的年輕生命。

明年（2010）即將是梵谷逝世120周年。梵谷對藝術界的影響廣泛而深遠，1987年倫敦佳士得（Christie's）拍賣會上，梵谷所畫的「向日 葵」以2475萬英磅（約合新台幣10億元）天價成交。從此，梵谷的油畫便是國際拍賣公司必爭，屢創拍賣紀錄新高；令人感慨的是，1888年8月，梵谷創 作向日葵系列時，窮得連買顏料的錢都要靠弟弟西奧接濟。終其一生，梵谷只曾賣出過一張油畫。

悲劇性的創作人生，塑造梵谷成為傳奇；然而，真正的梵谷傳奇，是他投入繪畫只有10年，竟然能從繪畫的入門者，飛躍成長為藝術史上的巨匠！

他27歲才立志當畫家，創作力卻旺盛得驚人，在生命的最後10年，梵谷畫了數千件作品，油畫就有八百多張，且各時期皆有不同的代表作。

早期的經典作以「食薯者」為首，描繪礦工、織工、農夫的素描、油畫最具代表性，色調沈鬱，充滿人道關懷；1886年到巴黎之後，梵谷開始畫一系列的自畫像，並且受到點描派影響，色彩明亮；法國南方的阿爾，是梵谷「鮮黃色調」時期的高峰，以向日葵系列最具代表。

梵谷最撼動人心的巨大旋渦筆觸，誕生於法國南方小村聖雷米，他住在精神療養院時期，畫了著名的「星夜」（Starry Night）及一系列橄欖樹、絲柏樹系列。

梵谷在阿爾畫向日葵時，想抓住「亮上加亮」的效果，嘗試在鮮黃底色上加以鎘黃、鉻黃、鉛白等亮色，讓靈魂的焰火更加燦爛；絲柏系列則是在深藍底色勾畫淺色，營造出「黑暗色調」，看起來有逆光的效果，讓支配畫面的巨大絲柏樹，彷彿曠野之中拔地而起、竄向天空的黑色火炬。

旋渦動感的筆觸、用盡生命力氣的厚塗手法，讓梵谷所畫的黑色火炬更加熾烈，帶我們看見梵谷燃燒的靈魂。

「燃燒的靈魂─梵谷」特展，有梵谷的重要代表作「星空下的絲柏路」、「絲柏樹與兩個女人」的油畫與素描，三張絲柏系列一同展出相當難得，也是「燃燒的靈魂─梵谷」特展最不能錯過的精采重點。

這項展覽的展品，主要來自全球兩大梵谷收藏重鎮之一，荷蘭庫勒穆勒美術館（Kroller-Muller Museum），三張絲柏系列映照梵谷燃燒的靈魂，還有「自畫像」、「好撒馬利亞人」、「聖雷米精神療養院的花園」等代表作，以及具見梵谷人道關懷精神的 礦工炭筆素描，以水彩、色粉筆、墨水等多元媒材的早期創作。

此外，日本以收藏西洋畫作與印象派著稱的POLA美術館，也慨然借出梵谷最後一個多月所畫的「薊花」，讓大家更能認識梵谷藝術的全貌。

就像Don McLean那首獻給梵谷的經典名歌「文生」（Vincent）所唱：人們不想聽也不理會；但只要你親自站在梵谷的畫作前，他的動人筆觸就能神奇溶化你， 讓你看見他成為藝術巨匠的真正傳奇，並且唱起「文生」最後一段開頭那句：我想我已明白，你想說的是什麼（Now I think I know what you tried to say to me）。

來看，你所不知道的梵谷！

http://vangogh.ishow.gmg.tw/

Starry, starry night.

Starry, starry night.
Paint your palette blue and grey,
Look out on a summer's day,
With eyes that know the darkness in my soul.
Shadows on the hills,
Sketch the trees and the daffodils,
Catch the breeze and the winter chills,
In colors on the snowy linen lan

Now I understand what you tried to say to me,
How you suffered for your sanity,
How you tried to set them free.
They would not listen, they did not know how.
Perhaps they'll listen now.

Starry, starry night. Flaming flowers that brightly blaze,
Swirling clouds in violet haze,
Reflect in Vincent's eyes of China blue.
Colors changing hue, morning field of amber grain,
Weathered faces lined in pain,
Are soothed beneath the artist's loving hand.

Now I understand what you tried to say to me,
How you suffered for your sanity,
How you tried to set them free.
They would not listen, they did not know how.
Perhaps they'll listen now.

For they could not love you,
But still your love was true.
And when no hope was left in sight
On that starry, starry night,
You took your life, as lovers often do.
But I could have told you, Vincent,
This world was never meant for one As
beautiful as you.

Starry, starry night. Portraits hung in empty halls,
Frameless head on nameless walls,
With eyes that watch the world and can't forget.
Like the strangers that you've met,
The ragged men in the ragged clothes,
The silver thorn of bloody rose,
Lie crushed and broken on the virgin snow.

Now I think I know what you tried to say to me,
How you suffered for your sanity,
How you tried to set them free.
They would not listen,they did not know how
Perhaps they'll listen now.
They're not listening still. Perhaps they never will

天上滿繁星
調色板上盡是灰藍
一雙眼睛能看進我靈魂黑暗之處
同一雙眼睛 夏日某天 卻又看著山間的影兒
為的是要 捕捉那樹 和洋水仙 還有微風 和冬日的清冷
為的是要 將它們 一一 在雪樣的白色的尼龍畫布上 化作色彩

如今我方明瞭 你所訴衷情
明瞭在瘋癲中 你所受煎熬
你又如何 竭盡所能 將之擺脫
曾經人們拒絕 也不懂得怎樣 去聽
或許今天 他們會想要聽

天上滿繁星 繁花似錦燦爛如火
天上的捲雲 在他眼眸中 是一場紫色風暴
色彩 變著調兒
清晨的禾場 琥珀色的麥子
苦痛在蒼然的臉上刻上的線
被畫家溫柔的手 撫順了

如今我方明瞭 你所訴衷情
明瞭在瘋癲中 你所受煎熬
你又如何 竭盡所能 將之擺脫
曾經人們拒絕 也不懂得怎樣 去聽
或許今天 他們會想要聽

因為縱然他們沒能夠愛你
你的愛還是真實的
在那繁星滿佈的晚上 一切看來都沒甚指望
你 就如一般戀人們所愛作的 了結了自己的生命
噢 我本該告訴你
這世界 從來也容不下 如你一樣美麗的人

天上滿繁星
無人的大堂上掛著一幅一幅的畫像
那邊廂 沒畫框的肖像 掛在 沒名字的牆上
以眼睛看世界 忘不了
就像偶爾踫上的陌生人衣著襤褸 看似潦倒的陌生人
血紅的玫瑰上銀閃閃的刺
謊言破滅 在初雪中灰飛煙滅

如今我想 我大概明瞭 你所訴衷情
明瞭在瘋癲中 你所受煎熬
你又如何 竭盡所能 將之擺脫
曾經 人們拒絕要聽 今日亦然
或許他們 永遠也不會聽

Vincent Willem van Gogh，1853年3月30日－1890年7月29日

http://zh.wikipedia.org/wiki/%E6%A2%B5%E9%AB%98

文森·威廉·梵谷（荷蘭文：Vincent Willem van Gogh，1853年3月30日－1890年7月29日），是位荷蘭後印象派畫家。他是表現主義的先驅，並深深影響了二十世紀藝術，尤其是野獸派與德國表現主義。梵谷的作品，如《星夜》、《向日葵》與《有烏鴉的麥田》等，現已擠身於全球最具名、廣為人知與昂貴的藝術作品的行列。

梵谷的早期生活，堅決投身於從事藝術品商人的工作。經歷了短暫的教職生涯後，他成了貧困的傳教採礦工人。直到約莫27歲時，梵谷才開始了他的畫家生 涯；然而，在他生前的最後十年間，卻創作了超過二千幅畫，包括約900幅油畫與1100幅素描。梵谷早期只以灰暗色系進行創作，直到他在巴黎遇見了印象派與新印象派。梵谷融入了他們的鮮豔色彩與畫風，創造了他獨特的個人畫風，其在梵谷待在法國亞爾的那段時間，發展已臻成熟。他最著名的作品多半是在他生前最後二年創作的，期間梵谷深陷於精神疾病中，其最後在他37歲那年將他導向自殺一途。

梵谷一生中的核心人物是他的弟弟西奧，其從不間斷、無私的提供梵谷經濟資助。他們終身的友誼可於他們在1872年8月前往來的多封書信間查證。

姓名

「梵谷」（Van Gogh）的發音，在英語與荷蘭語中皆有所變化。英語中，發音為 /ˌvæn ˈɡɒx/ ，或 /ˌvæn ˈɡɒf/ （英國），或 /ˌvæn ˈɡoʊ/ 中不發音的gh（美國）。標準荷蘭語中，荷蘭方言的荷蘭語讀音: [ˈvɪntsɛnt faŋˈxɔx]。然而，儘管雙親來自荷蘭，梵谷於布拉邦長大，並以布拉邦方言進行書寫；因此梵谷很可能以布拉邦口音說他的名字：[vɑɲˈʝɔç]^[1]。在梵谷創作了許多作品的法國，法語讀音: [vɑ̃ ɡɔɡ^ə]。

生平

早年生活

文森·梵谷，於約1866年。

文森·威廉·梵谷於1853年3月30日出生於津德爾特，一個位於荷蘭南部北布拉班特省、位置靠近布雷達的村莊^[2]。他是安娜·柯妮莉雅·卡本特斯與西奧多·梵谷之子，其父西奧多是荷蘭歸正宗教會的神職人員。文森以他的祖父為名，其也是恰一年前頭一胎死產的哥哥的名字^[3]。以此方式重新使用名字的做法並不罕見。文森在梵谷家族中是個常見的名字；他的祖父（1789–1874）於1811年在萊頓大學得到神學學位。祖父文森有六個兒子，其中三名是藝術品商人，包括另一個在梵谷信中稱呼其為「零錢叔叔」的文森。祖父文森或許是被輪到以他父親的叔父－－成功的雕刻家文森·梵谷（1729–1802）－－命名^[4]。藝術與宗教是兩項深深吸引著梵谷家族的職業。他的弟弟西奧多（西奧）於1857年5月1日出生。梵谷有第三個弟弟柯爾，還有三個姐妹：伊莉莎白、安娜與威廉米娜。^[5]

文森小時候是個認真、沉默與慎慮小孩。1860年，他到尊得特鄉村學校就讀，其唯一的老師是天主教徒，並有約二百名學生。自1861年起，他和他的妹妹安娜在家中由家庭女教師指導，一直到1864年10月1日，他到了荷蘭澤文伯根的私立珍普洛維利寄宿小學就讀，離他家約有20英里（32公里）。

紐南 (1883年–1885年)

在紐南時，梵谷完全埋首於繪畫中 — 付錢叫男孩找來鳥的巢窩^[6] — 然後在他們的小屋中飛快的^[7]素寫下織布鳥的樣貌。1884年秋季，鄰居的女兒、比文森年長十歲的瑪戈特·貝格曼，在梵谷獻身於繪畫時一直陪伴著他，並愛上梵谷，梵谷也予以回報（儘管沒有貝格曼的那般滿腔熱情）。他們決議結婚，但遭到雙方家人反對。瑪戈特企圖以番木鱉鹼自殺，但文森緊急將她送到醫院^[8][9]。1885年3月26日，梵谷的父親死於心臟病。梵谷因而哀慟欲絕。^[10]

《吃馬鈴薯的人》 (1885)，梵谷博物館

《草帽與煙斗的靜物畫》 (約1885年)，科倫-米勒博物館

第一次，巴黎傳來了對他的某些作品有興趣的消息。春季，梵谷創作了現被視為他第一幅主要的作品《吃馬鈴薯的人》（荷蘭文：De Aardappeleters）^[11]。到了八月，梵谷在油畫商盧爾斯在海牙的展覽櫥窗，首次展出了他的作品。九月，梵谷遭指控，指他讓他的一名年輕農家模特兒懷了身孕^[12]，天主教村神父於是禁止村民為梵谷做模特兒。

1885年，文森創作了數組靜物畫。《草帽與煙斗的靜物畫》，以及另一幅同時期的畫作《砂鍋與木屐的靜物畫》，都充分表現了梵谷畫技的熟練非凡。二幅畫皆展露了平穩、嚴密的筆觸與色彩細緻變化的特色。^[13]

在紐南的期間，梵谷的常用的色系是昏暗的大地色調，尤其喜愛深褐色，但卻不見任何在他後來的知名畫作中，鮮明生動畫風的發展痕跡。（當文森抱怨西奧沒有在巴黎付出足夠的努力來出售他的畫作時，西奧駁覆指它們的色彩太暗淡，沒有擠進當今流行的鮮亮印象派畫風。）在他待在紐南的二年間，他完成了多幅繪畫與水彩畫，及近二百幅的油畫。^[14]

巴黎（1886 - 1888年）

梵谷於1886年3月前往巴黎，就學於費爾南德·柯爾蒙的畫室，期間與弟弟西奧同住。在這段時間他倆人無需通信，所以他此時的生活詳情難以被後人所知。他創作了幾幅巴黎街景作品，如「塞納河上的橋（阿尼埃爾）」。

塞納河上的橋（1887）

逗留巴黎期間，梵谷搜集了一些日本浮世繪風 格的雕版作品。早在安特衛普時，他就對這類藝術深表興趣，用浮世繪畫作裝飾了自己的畫室。他搜集了上百件此類畫作，並且在自己的很多作品里運用了這種風 格。1887年畫作「唐居伊老爹」的背景就有幾幅浮世繪。1888年作品「枝上杏花開」更是強烈地表現了梵谷對日本藝術的熱愛。

生平年表

出生

• 1853年3月30日，出生於荷蘭南部的北布拉班特省（Noord-Brabant）的津德爾特（Groot-Zundert），是牧師杜奧多魯斯·范霍赫（Theodorus van Gogh）的長子。
• 1857年，弟弟西奧·梵谷（Theodorus "Theo" van Gogh）出生。

進入畫壇

• 1869年—1876年，分別在古庇畫行（Goupil & Cie）的海牙、倫敦、巴黎分店就職。遭解僱後前往英國的拉拇斯卡托（Ramsgate），在寄宿學校服務。
• 1877年，在德而特雷希特（Dordrecht）的畫店當助理。時年24歲。
• 1878年，返回艾登（Etten）。在布魯塞爾的傳教士培養學校學習3個月。以後在沒有領到許可證的情況下，於波瑞納吉的煤礦區開始傳教活動。於次年由布魯塞爾傳教本部解除傳教士職務。
• 1880年，下決心成為畫家。
• 1881年，回到艾登向表姐凱（Kee Vos-Stricker）求婚，遭到拒絕。
• 1886年，進入美術學院學習，但與老師對立，1個月後退學，輾轉到巴黎，住在弟弟西奧的公寓，結識了羅特列克、貝納、畢沙羅、高更等畫家，並與高更成為好朋友。

割耳事件

• 1888年2月，梵谷赴法國南部的阿爾勒旅居。租賃房屋，10月高更來訪。12月高更離去，隨後梵谷的左耳於1888年12月聖誕節左右被割去一大半。普遍認為，梵谷由於與好友高更發 生爭執，高更憤怒之下離他而去。梵谷因情緒激動而導致精神失常，於12月23日晚揮刀割掉自己的左耳。關於割耳事件的原委，學術界也有不同說法。兩名德國 的藝術史研究學者於2009年5月揭露，梵谷的左耳實為在與高更一次爭吵中，高更揮刀誤傷而導致梵谷左耳被割掉。兩人為了掩蓋事實真相，維持友誼，而向警 方謊稱割耳事件是梵谷自己動手所為^[15]。

梵谷墓

自殺身亡

• 1889年4月，西奧結婚。5月，梵谷住進聖雷米（法文：Saint-Rémy）的精神醫院。
• 1890年5月21日，去巴黎南部村莊瓦茲河畔歐韋，接受保羅·嘉舍（Paul Gachet）醫生的醫治。7月27日傍晚，在散步時用手槍自殺。死前說了一句話:「La tristesse durera toujours.（法語）」意思是「悲傷會永遠留存(The sadness will last forever.)」。29日凌晨1時（一說1時30分），去世，終年37歲。30日葬於奧維爾（Auvers-sur-Oise）的公墓。
• 1891年1月25日，一生在支持文森的弟弟西奧由於過度悲痛和精神失常而逝世，葬在哥哥的墓邊。

• 梵谷博物館：位於荷蘭阿姆斯特丹。收藏梵谷油畫二百餘件、素描550件和七百多封書信等，是收藏梵谷畫作最多的美術館，包括從初期的荷蘭時期，巴黎時期、阿爾時期直至聖雷米、奧維爾時期的全部名作。館內還有其他作家的作品，梵谷的生平介紹以及相關歷史遺物。
• 科倫-米勒博物館（Kroller Muller Museum）：位於荷蘭奧特洛。搜羅梵谷的油畫及素描作品共278件，如《夜間咖啡館》（café terrace at night）、《郵遞員》、《阿魯魯弔橋》（Bridge at Arles）等。
• 慕尼黑新美術館：位於德國慕尼黑。主要收藏19世紀的作品，包括梵谷的《向日葵》。

相關作品

美國流行歌手唐·麥克林（Don McLean）收錄於1971年冠軍專輯《美國派》（American Pie）的作品《Vincent》，便是他在閱讀過一本關於梵谷的傳記後，以《星月夜》這作品為主題所創作的歌曲；而香港唱作女歌手王菀之也借梵谷為題材，創作並演繹《畫意》一曲，並收錄於2006年的專輯《詩情·畫意》內。

Van Gogh_Starry, Starry Night

Starry, Starry Night Lyrics

Understanding the lyrics and Van Gogh's Life.

Below are the lyrics to Don McLean's hit song Vincent (Starry, Starry Night) and a comparison to Van Gogh's Actual Life.



Starry, starry night.
Paint your palette blue and grey,
Look out on a summer's day,
With eyes that know the darkness in my soul.
Shadows on the hills,
Sketch the trees and the daffodils,
Catch the breeze and the winter chills,
In colors on the snowy linen land.

Starry, starry night.
Flaming flowers that brightly blaze, Swirling clouds in violet haze,
Reflect in Vincent's eyes of china blue.
Colors changing hue, morning field of amber grain,
Weathered faces lined in pain,
Are soothed beneath the artist's loving hand.

For they could not love you,
But still your love was true.
And when no hope was left in sight
On that starry, starry night,
You took your life, as lovers often do.
But I could have told you, Vincent,
This world was never meant for one
As beautiful as you.

Starry, starry night.
Portraits hung in empty halls,
Frameless head on nameless walls,
With eyes that watch the world and can't forget.
Like the strangers that you've met,
The ragged men in the ragged clothes,
The silver thorn of bloody rose,
Lie crushed and broken on the virgin snow.

Now I think I know what you tried to say to me,
How you suffered for your sanity,
How you tried to set them free.
They would not listen, they're not listening still.
Perhaps they never will...

龐畢度中心（Centre Georges Pompidou）

http://www.cnac-gp.fr/Pompidou/
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou75004 Paris

Standard : +33 (0)1 44 78 12 33
(8.30am - 7.30pm, saturdays from 11.00am to 4.00pm. Recorded message the evening, Sundays and public holidays)

維基
龐畢度中心（Centre Georges Pompidou）全名為龐畢度國家藝術和文化中心（Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou），是座落於法國首都巴黎Beaubourg區的現代藝術博物館。興建於1971年至1977年，於1977年1月開館。

由來

1969年時，法國總統喬治·龐畢度（Georges Pompidou）為紀念帶領法國於第二次世界大戰時擊退希特勒的戴高樂總統，於是倡議興建一座現代藝術館。經過國際競圖，從600多個參與競圖的團隊選出一個做為興建的建築造形風格。這個獲選團隊的設計者為倫佐·皮亞諾、理察·羅傑斯與 Gianfranco Franchini。

喬治·龐畢度於1974年因癌症逝世，所以此建築完工啟用就命名為龐畢度中心以茲紀念。

建築特色

龐畢度中心建築物最大的特色，就是外露的鋼骨結構以及複雜的管線，他由英國建築師理察·羅傑斯和義大利建築師倫佐·皮亞諾設計。建築興建後，引起極端的爭議，由於一反巴黎的傳統風格建築，許多巴黎市民無法接受，但也有藝文人士大力支持。有人戲稱它是「市中心的煉油廠」。這種建築風格被稱為「高技派」（High-tech）風格。

這些外露複雜的管線，其顏色是有規則的。空調管路是藍色、水管是綠色、電力管路是黃色而自動扶梯是紅色。

儘管有這些極端的爭議，開館二十多年來，已吸引超過一億五千萬人次入館參觀。

參考
http://www.cnac-gp.fr/Pompidou/
http://www.paris-my-city.com/paris/musee.html
http://www.parispass.com/parisMaps.asp
http://blog.roodo.com/moe_x2/archives/4687655.html
http://www.gothereguide.com/pompidou+centre+paris-place/

葛蘭‧布朗（Glenn BROWN）1966~

1966年生於赫克珊〈結構與道德〉（Architecture and Morality）
2004年，油彩，畫布，140x98公分

1990年中，布朗的作品就以繪畫的新生典範姿態出現。現在畫家已經很少能夠達到布朗這般仿古典畫作的寫實，彷彿新生的馬格利特，然而馬格利特的畫作中的超現實幻境較為冷，十分理性，一筆一劃都很嚴謹有序。布朗的作品仿照古典大師如林布蘭、弗拉戈納爾、達利、德‧庫寧、巴塞利茲等，此類巴洛克與洛可可時代的畫風去描繪超現實世界，此種呈現的手法更產生了一股鬼魅的氣氛，似是古典卻不合邏輯，新式主題及傳統繪畫同時在畫面上並行。他的特色為參考多樣性以及主題的曖昧本質，他融入其他許多與繪畫、文學、音樂及科幻圖像等相關來源，利用漸進式變形，做出許多逼真的複製品。
〈結構與道德〉是一張怪異的肖像畫，這幅畫上運用了「聯合」這種藝術手段，畫中人物的臉，被細膩的油彩繪製花束取而代之，而且還是菊花...。菊花可以是象徵墳前的弔念物，布朗在這張詭異的畫像中是否想呈現對於過去古典的緬懷?或是讓人去反思"原本該出現的卻沒有出現，取而代之的不合規則，但一切卻這樣的似是而非。"布朗在此利用兩種傳統繪畫：靜物畫和肖像畫，透過將其並列，創造出一種意想不到的輪廓。各式主題及繪畫傳統同時並行，這幅畫上運用了「聯合」這種藝術手段（而不是像他先前作品中的「融入」），使得這幅畫具有特殊直接又醒目的特色。至於花的選擇方面，布朗選了菊花，菊花是傳統用於裝飾墳塋的花，透過選擇菊花，布朗暗示著標題中的黑暗與毀滅的一面。這幅畫的標題是布朗從一個經典新浪漫搖滾團體「黑夜行列（Orchestral Manoeuvres in The Dark）」中借用來的(〈結構與道德〉為「黑夜行列」樂團一九八一年的專輯名稱)，這幅畫精雕細琢表現出跟光滑表面的完美切割。一般來說，啟發布朗的畫作都擁有富含不規則的組織紋理，但這個好似鏡面般光滑的表面卻正相反，重點就在於因繪畫手段不同所造成的轉變。而布朗的藝術，則在原作與複製品上提出疑問，打開了一扇重要的反思之窗。不論是魔幻手法的馬格利特，或是逼真複製古典的布朗，超現實主義呈現的畫面總是帶著迷人的魅力，讓人佇足。
更多 葛蘭‧布朗
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馬克斯‧恩斯特（Max ERNST）1891-1976

馬克斯‧恩斯特（Max ERNST）1891年出生於布呂爾 – 1976卒於巴黎

〈法蘭西花園〉（Le Jardin de France）油彩，畫布，114x168公分

"法蘭西花園"，是恩斯特另一種形式的繪畫:拼貼法。
(法蘭西花園)正是融合了羅亞爾河岸邊風光的詩情畫意，以及東方女奴的嬌慵無力（盤在躺著的女人腿上的蛇其實就是亞歷山大大帝就曾經夢過的生物）。恩斯特這種將予人淫慾感的女性曲線美學跟羅亞爾河風景結合在一起，再度表現在他的三件新藝術風格的深浮雕作品中。
迪迪耶•歐登傑在此次龐畢度開展時曾說：盤在躺著的女人腿上的蛇，其實就是埃及艷后的影射。
羅亞爾河是法國第一大河，是法國恬靜古典的後花園。巴黎的美，美在各種文化風格的撞擊和矛盾之間；而盧瓦爾河谷則美在她甜美純粹的法蘭西風情。
她最美的一段便是中游河谷，河流兩岸有許多精緻的小山丘，古老的城堡掩映在綠樹叢中。這些古堡大都建於中世紀和文藝復興時期，幽深的古堡宅院，青苔斑駁，為這個法蘭西花園增添了幾分滄桑感。
馬克斯·恩斯特是德國畫家和雕刻家，超現實主義的創始人之一。是一位具有顛覆性的創新藝術家被譽為“超現實主義的達·芬奇”，他在達達運動和超現實主義藝術中，均居於主導地位。
他生於科隆附近的布魯爾，卒於法國。他的藝術道路是靠自學走出來的。凡高、麥克、康定斯基、畢卡索、基裏柯等人的藝術給了他很大影響。後來，他結識了阿爾普，創建科隆達達派，是重要的達達派畫家。1924年，他在巴黎與其他人合作創建了超現實主義畫派。他的作品所展現的豐富而漫無邊際的想像力，對世界的荒誕之感，汲取自日爾曼浪漫主義和虛幻藝術的夢幻般的詩情畫意氛圍，令全世界驚異不已。
這位不知疲倦的發明家不斷地更新著自己的表現手法：他運用拼貼畫、摩擦法、拓印法和刮擦法，致力於創造一個多變、彩色的虛幻世界。（摘自：藝術導報）恩斯特于1925年發明了拓印法(Frottage)，即用名墨棒的紙在有紋理的表面摩擦，拓出木頭紋路、布紗經緯、樹葉脈絡等各種圖案。
(註) 拓印法是超現實主義 (Surrealism)畫家們常用的技法之一。是一種將紙片壓在實物上，然後用鉛筆拓下其凸出紋路的方法。它能作出鉛筆畫不出來的自然紋理。如木頭、石頭的紋路等等。並能提供一種極為特殊的視覺情趣。從事摩擦法時，應盡量選擇薄而柔軟的紙片，太硬太厚的紙片將無法清楚地拓出紋路，且應盡量用側鋒來摩擦，否則太明顯的筆觸將妨礙紋理的顯現。

除拓印外，他還使用移畫印花法，即在未幹的畫布上摩擦，使顏料在另一平面上形成粗糙紋理，籍此方法，藝術家擺脫理性控制，把偶得的紋樣自由地加以組合，從而獲得價值獨特的作品。這種作品造型奇特模糊，富於視覺吸引力。

恩斯特作品《被夜鶯嚇著了的兩個孩子》，1924年，是木板拼貼與油畫的結合體，46x 33釐米，紐約現代藝術博物館藏。
提到超現實主義一定會想到達利與馬格利特這兩位大師，達利與馬格利特是魔幻寫實，恩斯特的畫作則是擁有致命的吸引力，他承襲了達達主義的精神勇於顛覆傳統、挑戰道德，擁有卓越的洞悉力與想像力。
恩斯特的作品中展現他對於教會的韃伐，恩斯特說既然處女生孩子都可以相信，那他看到聖母打孩子有什麼荒謬的呢?
他的作品追求著一個明確的目標：在觀眾中造成邏輯上的混亂，使他們受到奇特、意外的誘惑。另外一種風格的恩斯特把自己的想像結合了詭異的故事性場景，讓觀眾覺得彷彿看到科幻小說的情節置身在不可思議的世界中。

莫里斯‧德‧烏拉曼克（Maurice DE VLAMINCK）1876-1958

烏拉曼克 (全名 莫里斯‧德‧烏拉曼克) Maurice de Vlaminck,1876年生於巴黎 – 1958卒於呂埃耶-拉-卡德里耶

〈馬利-勒-瑞伊的一條路〉（Une Rue de Marly-le-Roi）1905-06年，油彩，畫布，54x65公分

這幅〈馬利-勒-瑞伊的一條路〉，因為稍微有點不平衡的大膽構圖、鮮豔的色彩而令人吃驚。這幅畫以暖色調與純淨的色彩繪成，在構圖方面，因為道路在畫面中的布局而顯得不太平衡，畫家以左邊的"大色塊"抗衡"右邊的"複雜描繪"，然而整體上看起來多少還是存在了不安定感，這份不安定感卻與他強烈的色彩讓人體會到畫家的那份激情。烏拉曼克出生於巴黎，他的雙親皆為音樂家。他教過音樂，同時也在樂團演奏過低音大提琴和小提琴，還作過多年的自行車的賽車選手。一八九二年，他開始對繪畫產生興趣。一九○○年他結識野獸派畫家德漢(André Derain, 1880-1954)，兩人在夏圖(Chatou)共用一間畫室創作，展開了一段創作上互相激盪的時期。烏拉曼克的創作主要靠自學而成，他的風格兼融了梵谷的強烈筆觸與塞尚的幾何構圖之雙重特色。他早期的畫作呈現出一種強烈有力的視覺特質，似乎想要將色彩從純粹的敘述功能中解放，以一種原始表現主義般的寬闊與猛烈筆觸，發展出個人的獨特畫風。一九○四到一九○七年間，烏拉曼克以野獸派的畫作名揚畫壇，他的這些作品脫離自然形象的拘束，以強烈色彩和粗曠筆觸，表現狂放不羈的創造力。從1908年起，烏拉曼克的筆觸變得較為沉穩，顏色較為晦暗，嗅得出受到塞尚影響。甫拉曼克逐漸朝更為傳統的表現手法演進，經常都畫些樸素且扭曲的風景。他也越來越專心致志於書籍插圖及寫作（《危險的轉捩點（Tournant dangereux）》，1929年；《開肚（Le ventre ouvert）》，1937年；《臨終肖像（Portrait avant décès）》，1943年）。另外，想要了解甫拉曼克就必須先了解「野獸派Fauvism」的風格：野獸派是產生於法國巴黎的鬆散美術團體，並無共同的宣言和目標，其名稱是在畫展評論中偶然產生的。促使野獸派出現的一個有力動機，是1903年在巴黎舉行的梵谷畫展，梵谷繪畫的表現力，觸動了青年畫家的內在狂熱；但從繪畫的本質上的觀點而論，野獸派運動的發生可說是歷史的必然性。野獸派運動，是對學院派的背判，也是對感動力稀薄，表現不夠深入的印象派的一種反抗運動。

尚‧杜布菲（Jean DUBUFFET）

尚‧杜布菲（Jean DUBUFFET）1901年生於勒哈佛港 – 1985年卒於巴黎

快樂的鄉村風景〉（Campagne heureuse）1944年，油彩，畫布，130.5x89公分

是戰後最具震撼力、最富創意，而又最不妥協的藝術家。他提倡自發的、無意識的，反藝術的藝術創作。他的畫風類似小孩的塗鴉，顯然想揚棄傳統的繪畫技法，並再造繪畫的主題。他善長使用用石膏、木片、油灰、瀝青等材料，刻意地製造出畫面特殊的質感，使作品看起來像是久經風霜和歲月的摧殘，有如斑剝的牆面，或遠古的岩畫，用色不多，但變化多端的色調與色階，耐人尋味。"快樂的鄉村風景"是杜布菲（Jean DUBUFFET）於1944年夏季所畫的，屬於早期的創作，與之後的創作作品明顯的不同。這幅畫回到童稚般的自發性，這正是戰後畫家的參考人物保羅‧克利（Paul Klee）所大力宣傳的。杜布菲將這幅畫故意畫得很笨拙，好像是小孩子畫的，完全拋棄透視法，使得這幅畫帶有方塊和線條的特色。由於使用的顏色來回刮擦，所以色調似乎有些髒掉，並且顏色並不符合所繪物件本身應有的顏色，仔細看看內容會發現真的宛如鄰家小孩隨手塗鴉，裡面記錄了農村日常生活，不講究流派，不分析結構，繪畫本身就可以傳遞這份輕鬆詼諧。杜布菲以孩童般的眼光來介紹世界（這個世界裡任何東西不加掩飾、都很直接），以找回塞尚畫風中對平面感的要求，因為這種平面感大多都在當代藝術中屈服了。「使勁帶領靈魂脫離它一般常走的途徑的巢臼。」杜布菲如此寫道：「帶領靈魂到一個世界，這個世界裡習慣機制不再運作，日常常規遭到打破，於是一切都會出現新意義，充滿了回音、迴響、和聲，這些才是藝術作品該有的行動。腦袋會因驚嚇而震盪，像箭豬一樣被這種讓人渾身不舒服的驚嚇嚇到，全身的刺都豎了起來，精神全部作用都因而覺醒，它的所有警鐘都因而敲響。」

參考

http://www.mahoo.com.cn/Artists/detail.aspx?id=416

（1901-1985）法國畫家，在西方繪畫史裏是一個傳奇人物。是戰後最具震撼力、最富創意，而又最不妥協的藝術家。他提倡自發的、無意識的，反藝術的藝術創作。 杜布菲一直到四十一歲時，才決定要全心投入繪畫，那是在一九四二年。在這之前他可以說是三天打魚兩天曬網，畫畫停停，甚至從一九二四年到一九三二年他曾封筆八年沒有畫畫，後來在一九三七年至四二年也曾五年未動筆畫畫。一九四三年的作品，突然給人一種視覺上的震撼，類似小孩的塗鴉，顯然想揚棄傳統的繪畫技法，并再造繪畫的主題。那是一些現代都市景象,如巴黎地下鐵擁擠的乘客。到了五十年代初，他的畫又轉變得更接近抽象畫，或淡色調繪畫;畫面上有極強的肌理效果，他用石膏、木片、油灰、瀝青等材料，刻意地制造出畫面特殊的質感，使作品看起來像是久經風霜和歲月的摧殘，有如斑剝的牆面，或遠古的岩畫，用色不多，但變化多端的色調與色階，耐人尋味。一九五七以後，被稱為是他的“非形象”時期，幾乎完全是抽象畫了，但奇異的是，在同時期，也仍有很具像的畫產生直到。六一、六二年他的新系列-[巴黎馬戲團]。好象是他的另一個新的開始，他以接近半自動性書寫的方式，畫他所看到的任何東西，帶有濃厚的素描性效果。杜布菲曾在紐約住過，他的工作室就設在下城靠東面的包裏區，他在美國并沒有停留太長的時間，因為美國并不像他所希望的那樣；有天真、原始性、或怪異的風味。當時美國有名的批評家-古林堡，雖然早在一九四六年已預言過：杜布菲是“從巴黎派出來的；米羅以後最具原創性的畫家”。但是當他們兩人在一九五一年首次見面共餐時，卻不歡而散。杜布菲說：“我受不了古林堡那種自命不凡，來勢洶洶的态度，所以我就站起來換了另一張桌子，結果就演變成在一九五一年十月以前我是一個大畫家，但一九五一年十月以後，按古林堡的說法我已經停止想成為一個大藝術家了”。

野獸派, 立體派

野獸派（法語：Les Fauves）是20世紀率先崛起的象徵主義畫派，畫風強烈、用色大膽鮮豔，將印象派的色彩理論與梵谷、高更等後印象派的大膽塗色技法推向極致，不再講究透視和明暗、放棄傳統的遠近比例與明暗法，採用平面化構圖、陰影面與物體面的強烈對比，脫離自然的摹仿。
野獸派主要由亨利·馬蒂斯、「古典野獸」安德魯·德朗領導，代表畫家另有「水彩野獸」勞爾·杜菲、「聖經野獸」喬治斯·盧奧、「風景野獸」烏拉曼克、馬爾肯、賈曼恩等，畫風特色是狂野的色彩、強烈的視覺衝擊，慣用紅、青、綠、黃等醒目的強烈色彩作畫，他們吸收了非洲、波利尼西亞和中南美洲原始藝術的呈現方式，以單純的線條、色塊表達自己強烈的感受[1]。
野獸派的壽命相當的短，1905年巴黎秋季沙龍展之後的第三年，野獸派幾乎已消失無蹤。然而，儘管如此，野獸派對後來的現代藝術影響仍十分深遠，康丁斯基、德累斯頓、雅夫楞斯基都受了野獸派一定程度的薰陶。

立體派
立體主義是前衛藝術運動的一個流派，對二十世紀初期的歐洲繪畫與雕塑帶來革命。
立體主義的藝術家追求碎裂、解析、重新組合的形式，形成分離的畫面──以許多組合的碎片型態為藝術家們所要展現的目標。藝術家以許多的角度來描寫對象物，將其置於同一個畫面之中，以此來表達對象物最為完整的形象。物體的各個角度交錯疊放造成了許多的垂直與平行的線條角度，散亂的陰影使立體主義的畫面沒有傳統西方繪畫的透視法造成的三度空間錯覺。背景與畫面的主題交互穿插，讓立體主義的畫面創造出一個二度空間的繪畫特色。
立體主義開始於1906年，由喬治·布拉克與帕布羅·畢卡索所建立，當時他們居住在法國巴黎的蒙馬特區。他們於1907年相識。到1914年第一次世界大戰爆發之前，兩人一直非常親近地在一起工作。
法國的藝評人路易·馮克塞勒於1908年第一次使用這一名稱「立體主義」。在此之後，這一名稱被廣泛地拿來使用，但作為創始者的布拉克與畢卡索，則是相當地少用。
立體主義起於自巴黎的蒙馬特區，由聚集在賽納河左岸en:Montparnasse地區的藝術家們傳播開來，並由畫商en:Henry Kahnweiler所發起。立體主義很快地受到歡迎，在1910年時，藝評者已將由布拉克與畢卡索影響的藝術家們稱做「立體學派」。然而，許多認為自己是立體主義的畫家，在藝術風格的表現上和布拉克或畢卡索的表現大異其趣，在1920年以前，他們就已經走向了明顯歧異的道路。比如奧費主義（en:Orphism）即是立體主義的一個分支，其中包括en:Guillaume Apollinaire、羅伯·德洛內（en:Robert Delaunay），杜象（en:Marcel Duchamp），費南·雷捷（en:Fernand Léger）等著名畫家。
立體主義在二十世紀的最初十年影響了全歐洲的藝術家，並激發了一連串的藝術改革運動，如未來主義、結構主義及表現主義等等。
不斷尋求創新的藝術家，布拉克與畢卡索，尋找新的畫中主題及空間的表達模式。他們受到了保羅·塞尚、喬治·秀拉、伊伯利亞雕塑、非洲部落藝術（即便布拉克駁斥這種說法），以及野獸派的影響。

世外桃源－龐畢度中心收藏展 藝術家清單

http://www.tfam.museum/03_Exhibitions/Default.aspx?PKID=313 龐畢度 北美館

巴爾蒂斯（Klossowski de Rola Balthasar, dit）

皮耶‧波納爾（Pierre BONNARD）

喬治‧布拉克（Georges BRAQUE）

葛蘭‧布朗（Glenn BROWN）

路易斯‧布紐爾（Luis BUNUEL）

亨利‧卡蒂埃-布列松（Henri CARTIER-BRESSON）

馬克‧夏卡爾（Marc CHAGALL）

喬治歐‧德‧基里訶（Giorgio de CHIRICO）

安德烈‧德漢（André DERAIN）

萊涅克‧迪克斯特拉（Rineke DIJKSTRA）

弗拉基米爾‧E‧杜柏薩斯基（Vladimir E. DUBOSSARSKY）＋亞歷山大‧A‧維諾葛拉多夫（Alexander A. VINOGRADOV）

尚‧杜布菲（Jean DUBUFFET）

哈兀‧杜菲（Raoul DUFY）

艾瑞克‧費雪（Eric FISCHL）

安德瑞亞‧吉爾斯基（Andreas GURSKY）

馬克斯‧恩斯特（Max ERNST）

菲力普‧加斯敦（Philip GUSTON）

阿蘭‧雅蓋（Alain JACQUET）

瓦西里‧康丁斯基（Vassily KANDINSKY）

保羅‧克利（Paul KLEE）

莫依斯‧奇斯林（Moïse KISLING）

佛朗索瓦-札維耶‧拉拉尼（François-Xavier LALANNE）

夏爾‧拉畢格（Charles LAPICQUE）

費爾南‧雷捷（Fernand LEGER）

亞伯‧瑪爾凱（Albert MARQUET）安德烈‧馬丁（André MARTIN）

安德烈‧馬松（André MASSON）

亨利‧馬諦斯（Henri MATISSE）

瓊‧米羅（Joan MIRO）

皮耶‧莫納（Pierre MOIGNARD）

馬科姆‧莫利（Malcolm MORLEY）

伊夫‧歐本漢（Yves OPPENHEIM）

吉賽帕‧帕諾內（Giuseppe PENONE）

法蘭西斯‧畢卡比亞（Francis PICABIA）

巴布羅‧畢卡索（Pablo PICASSO）

曼‧雷 (Radnitzky Emmanuel, dit)

馬希爾‧雷斯（Martial RAYSSE）

尚‧雷諾瓦（Jean RENOIR）

喬治‧盧奧（Georges ROUAULT）

奧圖‧舒爾（Otto SCHAUER）

莫里斯‧德‧甫拉曼克（Maurice de VLAMINCK）

趙無極（ZAO Wou-ki ）

米羅 Joan Miró1893-1983

Joan Miró，1893年4月20日－1983年12月25日），西班牙畫家、雕塑家、陶藝家、版畫家，超現實主義的代表人物。
米羅1893年出生於西班牙的巴塞隆拿，父親是一位金匠和珠寶商。胡安·米羅14歲時進入巴塞隆拿的St. Luke藝術學院學習，早年接觸過許多前衛藝術家，如凡高、馬蒂斯、畢卡索、盧梭等人的作品，也嘗試過野獸派、立體派、達達派的表現手法。逐步形成了完全屬於自己的藝術風格。他的代表作為1957年到1959年間創作的兩項陶壁作品——太陽和月亮之壁。

藍色二號（Bleu II）

這幅〈藍色二號〉是於1960年12月到1961年3月，在米羅位於蜜月島帕爾馬（Palma de Majorque）的畫室首度展出。這間畫室是由建築師荷西‧路易‧塞爾特（José Luís Sert）在1956年所設計建造的。1959年，米羅在紐約看到一些美國抽象畫，受到啟發，於是也開始畫些很大型的畫作，並且全然「解放」－－這三幅分別為一、二、三號的〈藍色〉精心傑作（目錄全集，館藏No. 339、340、341）是描繪在三種時間下的同一件作品，將米羅在造型及詩意上的功力表露無遺。從最初畫在小紙片上的迷你草圖開始（分別完成於1960年2月24日、6月6日、11月3日，FJM No. 2444、2445、2446），歷經長期研究，並將這些小圖畫到大幅畫布上，才結出這幾大幅畫的成熟果實。「這幾大幅〈藍色〉系列，花了我很多時間。時間不是花在作畫上，而是花在思索。我的內心必須很緊繃，隨後才能刻意抒張開來。準備階段屬於動腦階段（略）。有點像舉行宗教儀式之前得做的準備工夫，對，有點像將一切準備就緒的階段。你知道日本弓箭手是怎麼準備比賽的嗎？他們先調適自己的狀態，吐氣、吸氣、吐氣，我也一樣。（略）我自己做好心理準備。等我覺得準備好了，才開始畫：我先畫底色，全都是藍的，不過不是像幚大樓粉刷，光把顏色上上去而已；刷子的所有來回、手腕的力道、呼吸，全都是工夫。底色得先很『完美』，我才能繼續畫接下來的部份。」（羅斯蒙‧貝爾尼（Rosamond Bernier），〈關於瓊‧米羅的二三事〉，《眼睛》，No. 79-80，1961年7-8月，第18頁；〈書寫與訪談〉，出處同前，第279-280頁）。整幅畫都可以看到這種心理層面的考量：空間底色的部份就是因為這樣才畫成藍色，米羅好久以前就選好了這個顏色，因為藍色是「他夢境的顏色」，而且經過他於1925年所畫的單色〈繪畫（Les Peintures）〉系列之後，歷經了35年，米羅終於回歸到藍色，而且這麼出色。在這個有如宇宙的藍色空間中，空氣和光在顫動，同時既是白晝、又是黑夜，米羅投入這片藍裡，甚至攻擊它，並以極簡的抽象符號來強調這片藍，透過這些點、線、撕裂，既清楚確切又晦澀難懂，並且只以最單純的紅黑兩色表現，這些抽象符號都聽命於米羅的「日本弓箭手」，他們的指令如此精確、銳利。這些是極其專注的呼吸與心理層面的行為，幾乎可以說是與宇宙奧妙秩序相融合的心靈與神祕試煉。「透過跟這些同樣的步驟，也讓我探索到了隱藏在寂靜中的聲音，隱藏在不動中的運動，隱藏在無生命中的生命，隱藏在有限中的無限，隱藏在空裡面的形式，還有就是隱藏在匿名中的我自己。」1959年，米羅對畫家依馮‧泰朗帝耶（Yvon Taillandier）如此說道。（〈書寫與訪談〉，出處同前，第275頁）。這份既將自己投入宇宙，也將自己從宇宙中抹去的方式，已經組成普遍性的條件，終其一生，米羅都相當重視這點：「我畫了這幾條如此簡單的線，我想讓自己這個動作變得非常個體化，乃至於變成不僅是我，而是任何人都可能會有的動作，然後這種動作就會成為一種普遍的行為概念。」（丹尼斯‧薛瓦利耶，〈米羅〉，《今日：藝術與建築》，1962年11月；〈書寫與訪談〉，出處同前，第291-292頁）。造型畫法變成純詩意的行為，並變成一個非抽象、任何人都可理解的詩意行為。長久以來就很喜歡馬拉美（Stéphane Mallarmé, 1842-1898）詩作的米羅，深得〈擲骰子永遠取決於偶然〉 的箇中況味。這三幅〈藍色〉在巴黎的麥特畫廊一展出就非常成功（「米羅：壁畫」，1961年6月23日-7月31日），在紐約的皮耶‧馬諦斯畫廊展出時也非常轟動（「米羅：1959年-1961年」，1961年10月31日-11月25日）。

夜裡的人與鳥（Personnages et oiseaux dans la nuit）

這幅〈夜裡的人與鳥〉是米羅在他位於蜜月島帕爾馬、面對大海的大畫室中畫的，這幅油畫因為尺寸很大，所以罕見。米羅終於能讓使勁渾身解數展現自己的宇宙觀點，將身心奉獻在繪畫上，就跟他於1968年在美國逗留了很長時間的那次、也是最後一次赴美時一般解放。用畫筆大把掃過整個空間，畫布上留下斑點、污跡、噴漿。米羅詩意寶庫的偉大特徵也找到生猛有活力的發展，那就是：駕馭全畫、至高無上的鳥兒，鳥兒展翅飛翔，形成有力弧形，銳利的身影硬是侵入了令人望而生畏的夜裡。這些帶钩型利爪巨獸的出現打亂了黑夜，打亂了黑夜這個具備祖傳閹割能力的母體形式。這也是有火光前的黑暗「初始」，熾熱光亮的灰燼還在畫上燃燒，這些亮光超出色彩層次，讓發著紅光的火灰消散。除了如此強烈的行為外，米羅還要求整個身體都得介入（手浸在顏料中，米羅趴在地方畫這幅畫，他的攪在上面踏過，整幅畫似乎就是個「勞動大地」），米羅還在等著揭開繪圖煉金術的秘訣，好讓自己可以慢慢地，有耐心地塗抹上他忠實的油彩。直到最後，繪畫對米羅來說成了一個單純的行為，這幅壯觀的油畫，無須做任何刻意的效果安排，就見證了米羅這位詩畫家的投入：使勁猛衝、狂怒、靜止不動，將米羅推到永遠都到比顏料還更遠的地方。這種近身肉搏的繪畫方式，對米羅來說就是將自己投入他所畫的宇宙空間中的一種作法。

參考

http://www.youtube.com/watch?v=nMmMX6JtVd8&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=MXoz8YPvmns&NR=1

http://www.youtube.com/watch?v=T03HOZSkylE&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=_41wTKGNhFQ&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=sve4dl3D7qU&feature=related

喬治‧布拉克（Georges BRAQUE）1882–1963

早期參與了野獸派，不過他的作品卻以安祥如詩歌般的基調呈現，很難與色彩強烈、筆法奔放而令人興奮的地道的野獸派作品聯想在一起。

之 後他與畢卡索一起創建立體主義運動，所以他廣為人知的作品都會讓人想到立體主義那種在畫面上把物體做幾何解構再重組的風格，這張"小提琴與大水罐"就是立 體主義風格的繪畫，趣味的是他在這幅畫的頂端畫了一隻相當逼真的釘子，讓這畫乍看之下好像是被釘在牆上，這樣的舉動讓之後畫家對於媒材使用有了新突破，布 拉克又將字母及數位作為母題引入畫面，還在畫中畫出足以亂真的假木頭和假大理石。

再到後來，他索性更進一步，直接把真實的東西(通常是紙片、木片等)拼貼到畫面上去。這樣，便誕生了拼貼這一綜合立體主義的繪畫語言。

音 樂是時間的藝術，繪畫是空間的藝術，能在空間藝術中填滿音樂是許多藝術家的夢，音樂對於歐洲人來說就如同"電視機"一樣，存在於平日生活中，帶給人們愉悅 的心情，許多畫家也是十分熱愛音樂，要為畫面帶來猶如樂曲般的感動，最能表達的當然就是顏色了! 很多畫家在研究色彩的應用或是表現手法時會產生"點描法"的繪畫作品，馬諦斯也是如此。

馬諦斯作品"奢華、寧靜與愉悅"﹝Luxury, Calm and Deligt﹞，巧妙的把色彩藉由點描的手法融入紫色、藍色和綠色的基調中，整體顯得和諧又豐富。
http://vr.theatre.ntu.edu.tw/fineart/painter-wt/matisse/matisse-1904s.jpg

這次來到台灣展出的這幾幅作品無須以野獸派或立體主義之類的眼光去看，這幾張是他自己本人很喜愛的風景畫小品作，我想不管一位畫家是被史學家分類為哪一種流派，畫家畫畫永遠只是為了滿足自我。

布拉克使用鮮豔而和諧的色彩，加入典雅流暢的線條，把平凡的景致滲入了音樂，畫面不再像立體主義那樣瑣碎，取而代之的是簡潔而單純的美。

"埃斯塔克"是他於1906年創作的，從此可以看出布拉克特有的色彩。

〈埃斯塔克〉（L'Estaque） 1906年，油彩，畫布，60x73.5公分

〈埃斯塔克〉這幅描繪秋日的油畫，畫中有蜿蜒而上的小徑，邊上還有高大壯麗的松樹，這幅油畫的色彩就是塞尚所表現的那些色彩。布拉克在這幅畫上顯露出罕見的構圖能力，利用線條配置和色塊的緊密結構（例如：沿小徑邊上紫色和橘色的牆，以及右邊層層疊疊的巨松）。

但這並不妨礙他盡情揮灑出色彩的力量，並造成令人震撼的視覺效果。於是我們可以看到無所不在的黃色從土地放射到岩石，並帶領我們的視覺，一路往上看，先看到玫瑰紅色和綠色，然後看到藍色的天空。這些樹木的樹幹繪有彩色斑點－－這裡就是野獸派的一大特色

〈拉西約塔的小港灣〉（Petit baie de la Ciotat）
1907年，油彩，畫布，36x48公分

〈拉 西約塔〉中的景緻之所以會這麼引人注意的原因，那是因為它們曾經吸引過布拉克這個一路走來都是野獸派風格的畫家。〈拉西約塔的小港灣〉是件非常獨特的作 品，首先就是因為沒有一幅畫跟這幅畫類似，所以無從比較起，然後還有這幅畫非常成功，在整體野獸派創作中顯得別具特色。

布拉克非常鍾愛這幅畫，乃至於1959年自己又買了回來：「我買回這幅畫。這幅畫被賣出去以後，我好傷心，好後悔。我好想它，就跟遠離了自己的愛人一樣。」(詳情請參考北美館導覽手冊)

「1907年，當我在獨立沙龍所展出的十幅油畫已經賣出去的時候，我就告訴自己：我除了畫畫，沒辦法做別的事。」儘管極少有畫評注意到他的畫，但畫賣得很好，他還是很滿意。布拉克直到畫〈拉西約塔的小港灣〉時，才於五月到地中海一帶去找也是畫家的弗理茲（Friesz），後者於1905年起就待在那邊了。布拉克在地中海那邊完成十五幅左右的風景畫，隨後於九月時，回到埃斯塔克，弗里茲一直都跟他在一起。德朗（Derain）從科利尤爾寫信給甫拉曼克（Vlaminck）：「布拉克跟弗里茲（原文如此）就在這附近。他們忙著實現一些不同於自己風格的作品，追求完美的中性色彩。」他又寫道：「喜歡弗里茲和布拉克的人可樂了。他們倆的想法創新，喜歡他們畫的人覺得很新奇。不過他們以後才會繼續發展，因為現在還有別的事要忙。」德朗的這番話稍微有點太武斷了，因為之後，出乎德朗意料之外，布拉克就跟作家波朗（Paulhan）承認：「第一年，純粹是基於激情，出於一個巴黎佬發現法南後的驚喜。隔年，就不一樣了。我不只對南部有興趣，甚至還一路延伸到了塞內加爾。至今都超過十個月了，不能再說這是由於激情在作祟。」九月在埃斯塔克，弗里茲和布拉克分道揚鑣，前者還在畫些拉西約塔夏日帶給他靈感的東西：詩意的構圖與軟調性的圖案；後者則畫出了遠離野獸派的〈從密斯托拉旅館看出去的埃斯塔克〉（l'Estaque vue de l'Hôtel Mistral），這幅油畫是布拉克在巴黎畫室中於秋季所完成的，當時巴黎正在展出塞尚的作品。
〈拉西約塔〉中的景緻之所以會有特別意義的原因，是因為它們是布拉克最後階段的野獸派作品。〈拉西約塔的小港灣〉是件獨一無二的作品，首先就是因為沒有一幅畫跟這幅畫類似，所以無從比較起，其次是這幅畫非常成功，在整體野獸派創作中顯得別具特色。
布拉克非常鍾愛這幅畫，乃至於1959年自己又買了回來：「我買回這幅畫。這幅畫被賣出去以後，我好傷心，好後悔。我好想它，就跟遠離了自己的愛人一樣。」而當記者克瑞斯派樂（Crespelle）於1961年10月18日訪問過布拉克後，他寫著：「面對窗戶的一面牆上，掛著兩幅野獸派的畫：一幅是〈埃斯塔克〉，另一幅是〈拉西約塔〉。後面這幅畫，是布拉克於兩年前買回來的。布拉克對我說：看到沒？五十年都沒變。好多人都對我嚷嚷：你用化學顏色來畫油畫，你這些油畫二十年後會是什麼德性，你等著瞧好了。喏！這些畫跟剛剛畫好的時候一樣鮮豔。」
這幅畫的魅力與輕盈感，絕大部分是因為布拉格筆觸所帶的異質性，與他一般的筆觸不同，而且罕見地用斑點來表現，似乎他想讓這幅油畫的畫布白底顯露出來。再加上以粉紅這種中間色調描繪，利用低調的顏色變化，來避免塗滿顏色的表面所會造成的影響。畫家安德烈‧伐德（André Verdet）曾說這是「點描法的筆觸」，布拉克是這麼回答他的：「但卻非常有氣氛，而且著重彼此協調靈活。這是幅沒有大肆張牙舞爪的野獸派油畫。和諧的色彩吸納了狂野的顏色，彌足珍貴。但我不得不更進一步，我得找到基本色調，並以大自然取代了裝飾性的色調。」

勒萊克灣（Le golfe des Lecques）油彩，畫布38x46公分1904

〈勒萊克灣〉是布拉克最後畫個幾幅野獸派畫作之一。之前，1905年秋季沙龍中，馬諦斯與德朗所展現出的鮮豔色彩和正面直線構圖，讓布拉克「大開眼界」。即使他於稍晚才加入他們的行列（1906年夏），而且為期不久（到1907年年底），野獸派還是布拉克的入門畫風，而他早期的野獸派作品也跟都北部（安特衛普和勒哈佛港）風光有密切關係，這些是他於1906年夏季跟朋友歐東‧弗里茲（Othon Friesz，布拉克於1897年在勒哈佛美術學院結識了弗里茲）在一起時所畫的作品。布拉克從1906年10月到1907年2月，在弗里茲的陪同下，都住在埃斯塔克。他在該地研究保羅‧塞尚的畫風，實證塞尚在顏色表現和透視構圖上的處理方式。布拉克在埃斯塔克期間，畫了六幅油畫，並於1907年3月在獨立沙龍展出。他跟前輩馬諦斯和德朗一樣，在這些作品中也保留了梵谷和高更的風格。布拉克和弗里茲於1907年5月回到法南，並定居於拉西約塔。毫無疑問，〈勒萊克灣〉應該是在1907年5月到6月間畫的，整幅畫都浸淫在鮮明的光線中，透過幾乎沒有描邊的輪廓，強調各個色塊彼此間的對話。刻意採正面直線構圖。順著甚為突出的前景（黃色土地，綠、紅、玫瑰紅、藍色的陰影），便可看到枝葉交纏的林木，使得整幅圖風格別具。對一幅形式簡單、空間安排相對困難的畫來說，色彩是最基本必須掌握的：海水的藍色被綠色和黑色所取代，海上有兩艘升起白色船帆的小船；海洋周邊處處可以看到紅色（屋頂、水果、岩石、陰影……等），突顯出以黑色描邊的遠方山陵；此外，還有天空的淡紫色、綠色、藍色，天空似乎模模糊糊地出現在風景上方。這幅畫中，布拉克的視覺彷彿是由上往下俯瞰，這幅畫是他從空中往下看的觀點。地平線非常高，益發強調這種視覺上的反效果，誠如藝術史家尚‧羅德（Jean Laude）所言，令人想起日本的版畫。1907年，這幅畫就被康懷勒所收藏。這幅畫的特色在於豐富的顏色對比，以及在兩度空間裡的活潑形式，布拉克以無可比擬的色調描繪出既令人不安、卻又很抒情的景緻，只不過這種筆觸，布拉克於1907年年底就棄而不用了。